MISERIA E SPLENDORE DELLA CARNE Caravaggio Coubert Giacometti Bacon…Testori e la grande pittura europea. RAVENNA 12.2.12-17.6.12

Proseguendo la sua indagine su figure di primo piano della storia e della critica d’arte, il MAR Museo d’Arte di Ravenna, presenta questa mostra che porta il visitatore attraverso cinque secoli d’arte, dalla fine del ‘400 ai giorni nostri. Il tutto attraverso il complesso percorso critico di Giovanni Testori grande amico, allievo e collaboratore di Roberto Longhi.

Si parte dalla rassegna sulla pittura di realtà in Lombardia, che aiutò a comprendere meglio il Caravaggio, dalle figure che ne prepararono l’entrata in scena come Foppa, Moroni e poi Cerano, Tanzio da Varallo, Cairo e quindi il Seicento e Settecento. Questi ultimi appresentati anche da Fra Galgario e Ceruti, per arrivare all’Ottocento di Géricault e Coubert, per Testori  secondo solo al Caravaggio; quindi il Novecento con Grosz, Dix, …Sironi, Manzù, Guttuso…Giacometti, Bacon, Sutherland, Varlin, quest’ultimo una scoperta del Testori. La mostra termina con gli anni Ottanta e i “nuovi selvaggi” tedeschi: Hodicke, Fetting, Salomé. Sono presenti anche i “nuovi ordinatori”: Albert Merkens, Chevalier, e poi Paladinio e Cucchi.

La summa la si trova nel capolavoro caravaggesco : ragazzo morso da un ramarro 1595-1596.  

Il Museo d’Arte della Città di Ravenna è stato inaugurato nel 2003 con una mostra dedicata a “Roberto Longhi e il Moderno”: da Coubert agli Impressionisti sino a Morandi. A cadenza biennale sono seguiti un omaggio a Francesco Arcangeli con la mostra “Dal Romanticismo all’informale”, a Corrado Ricci che si potrebbe definire anche padre della moderna museologia. Non certo ultima per importanza è la mostra del 2012 dedicata al critico d’arte Giovanni Testori. 

Come ha precisato Elena Volpato, la mostra andrebbe guardata anche attraverso le: “molte labbra socchiuse dall’estasi e dalla perdizione di Francesco Cairo; le bocche dischiuse nel David del Tanzio: quella del giovane, quella del gigante e quella oscenamente aperta della ferita…la bocca aperta della Maddalena, dipinta dal Romanino…e poi le boccacce dei ceffi di Beniamino Simoni; il muggito ricacciato indietro nella carne della Crocefissione di Grünewald…fino allo spalancarsi dell’urlo afono di Bacon”.

Chiarificatrici, per la lettura della mostra, sono anche le parole dello stesso Testori: “Esistono parole che godono dell’essere scritte…Ce ne sono altre destinate fatalmente- e fetalmente- a rivelare nell’esser dette qualcosa in più …dico fetale, cioè creaturale. Pensa a “Quel ramo del lago di Como”, per non parlare dell’ ”Addio monti…”. C’è come uno struggimento che spinge le parole a uscire dalla bocca, a farsi voce...”.

Di Testori si può dire che nasca rivoluzionario con la sua tesi di laurea, nel 1945-46, su “La forma della pittura moderna” dove parla dell’estetica surrealista in un ateneo dove gli studenti dovevano giurare contro il modernismo. Mentre egli evidenziava, in aperto contrasto con lo stesso rettore, il ruolo centrale della sessualità nell’estetica del movimento. Dopo la tesi, Testori continua a scrivere e a sostenere la “necessità di superare l’inaccettabile astrazione della pittura di Ricasso e del cubismo”.

Nell’anno 1951, alla Mostra di Caravaggio e dei Caravaggeschi in Palazzo Reale a Milano, Testori incontra per la prima volta Roberto Longhi che apprezza le sue tesi e gli chiede di collaborare per la rivista Paragone. Nasce così una lunga amicizia dalla quale il Testori saprà trarre il meglio riconoscendo in Longhi il suo vero maestro e i suoi studi come fondamentali per la comprensione del Caravaggio così come per numerosi altri artisti.

DA NON PERDERE. GENOVA: VAN GOGH  e il viaggio di GAUGUIN

Nel 1897 Gauguin a Tahiti riceve la notizia della morte della figlia, questa notizia e la personale malattia gli pesano enormemente, ma decide di creare il suo capolavoro: Da dove veniamo?Chi siamo?dove andiamo?  Si fa mandare da Parigi nuovi colori e grandi pennelli, a Tahiti si fa preparare una tela di 4 mt. di lunghezza e 1 mt. e 1/2 di altezza. Terminato il quadro sale sulle montagne con un vaso di arsenico nell'intento di suicidarsi. Non riuscirà, ma ne trarrà grande dolore fisico. Il suo ultimo quadro proviene  alla mostra dal museo di Boston che lo ha concesso, in Europa, solo a Parigi 10 anni fa.

Questo quadro ben si addice al senso del viaggio, tema della mostra: viaggio come esplorazione geografica, come spostamento fisico e viaggio nelle proprie interiorità.  Basta questo quadro a dare senso alla mostra che, invece, ci propone ben 80 capolavori della pittura americana ed europea del XIX e XX secolo provenienti da musei di tutto il mondo.

Ma questa mostra non è solo di quadri, ma anche di lettere originali, scritte anche al fratello Theo, e oggetti di van Gog giunti in Italia per la prima volta; riconoscendo così van Gogh come figura artistica centrale dei due secoli.

Van Gogh  e Gauguin ben esprimono sia il viaggio, inteso come tale, sia il viaggio all'interno del proprio io.

Sono 25 i dipinti e 15 i disegni di van Gogh, quasi tutti prestati dal Van Gogh Museum di Amsterdam e dal Köller-Müller Museum di Otterlo, e ci parleranno della scura luce del nord contrapposta alla luminosità del sud. L'Autoritratto al cavalletto, 1880, è una fusione di ciò che è dentro e ciò che è fuori; il viaggio che il vero artista deve sempre fare dentro di sé. Questo quadro avrà una collocazione particolare, per sottolineare l'uscita dal buio dopo la ricerca in se stessi. Mentre l'immagine che chiude la mostra sarà il covone di fieno sorvolato dai corvi "Covone sotto un cielo nuvoloso", dipinto ad Auvers tre settimane prima della morte. L'esposizione al pubblico avviene dopo 40 anni. Alla mostra sarà presente anche la più famosa versione del Seminatore, dipinto ad Arles nel 1888. Altro quadro famoso presente è "Le scarpe di Van Ghogh"

La pittura americana del XIX secolo è esplorazione di territori sconociuti: lo spazio di una nazione giovane. Il viaggio qui è rappresentato da Edwin Church, pittore dell'Est, della valle dell'Hudson, della costa del Maine, e da Albert Bierstadt, pittore dell'Ovest, dello Yellowstone  e dello Yosemite. Sarà presente anche Winslow Homer con il suo Maine: buio, solitudine, acque tempestose dell'oceano. La costa del Maine è tema anche di Andrew Wyeth che si ispirò a Vyeth e Hopper.

Quindi Hopper, con le sue notti buie, e poi il monocromo Mark Rothko e il suo famoso viaggio dentro l'interiorità, vicino alle simili marine del Turner, di un secolo e mezzo anteriore.

Richard Diebenkorn si può identificare con la finestra sul Pacifico agitato e i fili dell'elettricità con il suo: "Ocean Perks".

Caspar David Friedrich aprirà la pittura europea con il suo viaggio della mente di fronte all'infinito: una barca verso la nebbia e William Turner con un viaggio nella potenza degli elementi naturali.

Immagini sulle pareti, sul pavimento e musiche presenteranno l'opera di Gauguin: una presentazione degna di un artista di incontestabile genialità.

Il grande Claude Monet sarà presentato nella cornice del suo  splendido, romantico, un po' esotico giardino di Giverny.

Mentre Wassily Kandinsky proporrà il suo viaggio mentale di sogni, incanti tremuli e memorie.

Nicolas de Staël presenterà i suoi muri calcinati di Agrigento, le sue figure di fronte al mare e gli strapiombi di Antibes.

Di Morandi si vedranno le nature morte; un viaggio in una stanza con i suoi celeberrimi colori polverosi.

Tutto questo val bene un viaggio! Anche per ammirare con occhi attenti il bel palazzo Ducale, costruito nel 1291; un palazzo che è degna cornice di cotanta mostra.

La città di Genova, per l'occasione, offrirà molte altre proposte sul tema:  teatro, serate esclusive nel ristorante del Palazzo Ducale, speciali pacchetti per le scuole e week-end organizzati per tutti... www.lineadombra.it tel.0422.3095.

MANCIU'

Armi, uniformi militari dei grandi imperatori Kangxi e Qianlong, preziose suppellettili della reggia di Mukden,   collezioni dell’Imperatrice Cixi: esposte insieme ai reperti che testimoniano il crollo dell’Impero e l’avvento della Repubblica.

Per la prima volta al mondo:

- gli oggetti personali dell’ultimo imperatore della Cina, Pu Yi, che fu protagonista dell’indimenticabile film-capolavoro di Bernardo Bertolucci

- una parte della mostra è dedicata all’epopea umana dell’Ultimo Imperatore con documenti storici, fotografie...

REPERTI E I DOCUMENTI ANCORA SCONOSCIUTI IN OCCIDENTE E IN ESCLUSIVA MONDIALE: da non perdere!

"da Vermeer a Kandinsky" DA NON PERDERE. Rimini e San Marino. Un'occasione irripetibile per ammirare, insieme, opere provenienti dai più prestigiosi musei del mondo in una carrellata amplissima nel tempo della storia dell'arte. Una visita tra le sale di Castel Sismondo a Rimini e Palazzo Sums a San Marino. Un viaggio nella storia dell'arte dove dominano l'intensa luminosità e gli accesi cromatismo tipici della pittura rinascimentale veneziana. Del Veronese è presente il "Riposo durante la fuga in Egitto", dal Ringling Museum, probabilmente la più importante e gioiosa versione della Sacra Famiglia. Del Savoldo, bresciano residente a Venezia, si può ammirare il "Ritratto di suonatore con flauto" (1525c.a.). Il disegno toscano è esaltato dal colore veneziano dalle opere di Tiziano Vecellio. Mentre Annibale Carracci presenta il suo classicismo con la "Venere abbigliata dalle Grazie" (1590-1595), una magnifica fusione di realismo caravaggesco, colore veneziano e disegno e linee fiorentine. Il Guercino, uno dei rappresentanti del '600 italiano, è presente nella sua versione più matura dove, lasciati i colori e le luci intensi, declina delicate raffinatezze come in "Semiramide riceve la notizia della rivolta di Babilonia", dal Museum di Fine Arts di Boston. E poi: Mattia Preti, Luca Giordano, Guido Reni...che seguirono l'esempio del Caravaggio. Il Settecento è presente nelle sale del 1° piano con il "vedutismo veneziano" del Canaletto e del Bellotto, suo allievo, stile  molto "copiato" da famosi artisti  e viaggiatori stranieri. Non manca la ritrattistica veneziana, forse meno apprezzata del "vedutismo", qui rappresentata dal Guardi e con "L'Apoteosi di Enea" del Tiepolo. El Siglo de oro spagnolo lo si incontra al secondo piano del castello. Velásquez è presente, per il '600, con la sua innovazione ritrattistica e con la sua innovativa abilità del ritrarre anche i personaggi più umili: i buffoni, i nani, i poveri e i derelitti. Mentre El Greco, a Venezia allievo di Jacopo Tintoretto, porta tutta la sua innovazione della libertà di pennellata e inosservanza di prospettiva e proporzioni, che con lui divengono atti di pura genialità. Murillo è presente con il suo ritratto di "San Pietro in lacrime" ben rappresentante la sua pittura prevalentemente religiosa.

FONDAZIONE PRADA. PRADA  apre a Venezia Ca' Corner della Regina, uno splendido palazzo sul Canal Grande costruito tra il 1724-28 da Domenico Rossi su commissione della famiglia Corner. Il palazzo sorge sulle rovine della costruzione in cui nacque Caterina Corner, che fu regina di Cipro. L'architettura del palazzo ricorda la vicina Ca'Pesaro, sede della Galleria Internazionale d'Arte Moderna, di Baldassare Longhena.

La mostra che accompagna l'apertura vuole documentare un dialogo, che si intende continuativo, con le maggiori istituzioni museali del mondo.

Thomas Demand dialoga con importanti opere dei Musei Civici di Venezia; Jean-Paul Enghelen, direttore di Public Art programs (Arabic Museum of Modern Art di Dhoa, Quatar) stabilisce un ponte linguistico tra un reperto storico del Museum of Islamic Art e il lavoro dell'artista Buthayna Alì, come gli è stato richiesto; l'Ermitage di S.Pietroburgo presenta inedite ceramiche del XVIII secolo insieme all'opera di Jeff Koons Fait d'Hiver. N.Cullinan, curatore del Tate Modern, Londra,  ha avuto il compito di offrire una sua lettura del periodo italiano dal 1952 al 1964: Burri, castellani, Fontana, Lo Savio, Manzoni, Scarpitta e Schifano.

Un assaggio del futuro percorso per le attività della FONDAZIONE BRADA, in attesa dell'apertura del nuovo museo a Milano del 2013.

LA CULTURA RENDE ma qualcuno non lo capisce. Dati INSTAT e SIAE.

24,3% aumento della spesa culturale, sostenuta dagli italiani dal '99 al 2009

In un momento in cui tutto è in recessione, ecco un possibile salvagente per l'Italia: LA CULTURA, QUELLA VERA, TUTTA DA PROMUOVERE ELIMINANDO TUTTO QUELLO CHE E' PURO PARASSITISMO: si incentiva solo quando se portano risultati anche economicamente positivi, non soldi a pioggia, ma mirati, e decisi da chi abbia un curriculum inattaccabile.

Italia: lo stato spende, per la cultura, lo 0,19% del Pil.

Francia: lo stato spende, per la cultura, l'1% e in Francia il turismo è un'entrata molto superiore a quella Italiana.

Negli ultimi 5 anni l'Italia ha ridotto del 30% ( € 1,509 miliardi di spese per la cultura)le spese per la cultura, ma si si comprendono anche Regioni ed enti locali si arriva a una riduzione di 4,8 miliardi.

La Germania, nel suo insieme,  spende 12,5 miliardi di euro l'anno

40 miliardi di euro: generati nel 2010 da musei, musica e cinema, pari al 2,6% del PIL nazionale.

5,8 milioni i lavoratori a tempo indeterminato coinvolti, in Italia, nella cultura.

Escludendo il turismo culturale lo spettacolo da lavoro a 500 mila persone, 6 volte la FIAT.

www.virtualmuseumiraq.cnr.it, CHIUSO PER L'ENNESIMA VOLTA PER MANCANZA DI FONDI, DOPO I SACCHEGGI DEL 2003-07, NEL SITO SI POSSONO VEDERE: LA DAMA DI URUK, L'ELMO DI UR, QUEL CHE RESTA DI NINIVE CAPITALE ASSIRA E DELLA BABILONIA DI NABUCODONOSOR O DELLA BAGDAD DELLE MILLE E UNA NOTTE. L'UNIVERSITA' LA SAPIENZA SCAVERA' AD ABU TBEIRA DOVE GIACE UN'INTERA CITTA' ABITATA DA SUMERI, E BABILONESI.

fiera terminata: ART BASEL MIAMI 2011: per il 10° compleanno il Collins Park, il più grande parco di Miami, è stato invaso da 24 opere monumentali, realizzate da: Damien Hirst, Anish Kapoor, Antony Gormeley. www.artbasel.com

250 tra le più importanti gallerie del mondo erano presenti con 2.000 artisti. L'intenzione era di dimostrare come il mercato dell'arte sia in grado di resistere anche alle più gravi crisi finanziarie e la prova positiva si è avuta durante il record delle aste di Christie's Sotheby's a New York.

La grande capacità di questa fiera è quella di creare un ponte tra Europa, USA e America Latina. Infatti è sempre più alto il numero di collezionisti provenienti da: Messico, Venezuela, Brasile e Caraibi.

13 gallerie italiane hanno portato in Florida un gruppo di artisti nazionali ed internazionali, protagonisti ed emergenti di qualità, con una prevalenza di sculture, installazioni e video.

Alfonso Artiaco si è presentato con i grandi maestri degli anni '60 e '70, i pavimenti metallici del minimalista americano Carl Andre e le cartoline, sempre provocatorie, degli inglesi Gilbert & George.

Il Magazzino d'Arte Moderna ha proposto un'illustrazione video di Daniele Puppi: due guerrieri giapponesi combattono nel Colosseo.

LIA RUMMA si è distinta per le nuove sculture di marmo colorato, ispirate all'arte greca e romana, di Vanessa Beecroft e per i disegni del sudafricano William Kentridge, interprete di opere famose come il Flauto Magico.

La sezione ARS NOVA riunisce 42 gallerie che hanno presentato opere realizzate da non più di tre anni: neon concettuali del collettivo di artisti Claire Fontaine, presentati dalla galleria T293, sculture di plastica e titanio di Christian Frosi, proposte da ZERO e molto altro.

"FONDAZIONE TERRUZZI VILLA REGINA MARGHERITA"www.fondazioneterruzzivillamargherita.it

LA VILLA

A Bordighera è aperta una delle piu' notevoli collezioni d'arte private europee; un grande patrimonio artistico oggi a disposizione del pubblico.  Si tratta di un importante intervento che unisce pubblico e privato, sostenuto dalla Regione Liguria. I visitatori potranno apprezzare non solo la prestigiosa collezione d'arte Terruzzi, ma anche la mirabile architettura, del Broggi (formatosi alla scuola del Boito), la biblioteca specializzata in storia dell'arte, un ricco bookshop, una panoramica caffetteria,  un gabinetto di restauro e un bellissimo giardino. Il tutto valorizzerà ancor meglio il patrimonio paesaggistico e culturale locale formato dalle vicine ville: Bicknell, Pompeo Mariani e Garnier e poi dai Giardini Hambury a Ventimiglia, da Villa Grock a Imperia e da Villa Nobel a Sanremo. Un'occasione per vedere o rivedere un prezioso angolo d'Italia che fu tanto vistato e amato anche da Monet che se ne innamorò con Renoir e vi tornò per dipingervi ben 38 tele. Moltissime sono le grandi personalità legate a Bordighera, tra le tante: Charles Garnier, l'architetto francese progettista dell'Opéra di Parigi, del Casinò di Montecarlo  e dell'Osservatorio di Nizza. Inoltre a Bordighera progettò villa Bischoffsheim (ribattezzata Etelinda), il Municipio, la chiesa Terrasanta e Villa Studio, oltre alla sua abitazione. Anche Evita Peron visitò Bordighera e vi inaugurò la passeggiata a mare.

L'editore SKIRA, per l'occasione, ha presentato un catalogo ricco di storia e di immagini; indispensabile per una migliore comprensione dell'insieme. Il catalogo SKIRA è in vendita nel bookshop della villa.

"Quando voglio pensare a qualche cosa di piacevole e di riposante, mi viene subito davanti agli occhi la mia cara villa di Bordighera". Così scrisse la regina Margherita nel 1923.

Nel 1879 Sua Maestà la regina, era stata in incognito a Bordighera per due mesi; costretta ad allontanarsi dalla capitale, trovandosi in precarie condizioni di salute dopo l'attentato a Umberto.

Trent'anni dopo, quando la regina volle costruirsi una residenza rivierasca pensò proprio all'amata Bordighera.

Il nuovo edificio aveva una sua peculiarità architettonica: il suo stile era unico nel contesto locale, come pure nel percorso professionale dell'arch. Boggi, e fu definito come "Barocchino del '700" d'ispirazione lombarda.

La grande hall è illuminata dalle vetrate artistiche della ditta Corvaja e Bazzi di Milano, mentre gli stucchi sono opera di Tommaso Bernasconi. Nella biblioteca si incontrano le librerie, i tavoli e le sedie originali; disegnati appositamente dal Boggi nel medesimo stile della villa. La villa venne ultimata nel 1915 secondo le idee della sovrana che non tenne in alcun conto le tendenze del momento. Infatti nel 1914 compariva il Manifesto dell'architettura futurista, mentre Boccioni e Sant'Elia si dichiaravano contrari a ogni revaival.

Anche l'ascensore della villa, oggi in un ambiente di servizio che si affaccia sulla sala da pranzo, non tradisce lo stile dell'insieme. Si tratta di un manufatto in legno bianco con la parte frontale sormontata dallo stemma personale della regina e l'interno foderato di specchi.

Da segnalare anche l'inginocchiatoio della sovrana della metà del XVIII secolo. Realizzato da Pietro Pifferi con pregiatissimi legni e intarsi in avorio e tartaruga.

Le stanze più belle del primo piano sono lo studio e la camera della regina; qui si incontrano le tempere di Tommaso Bernasconi che immortalano le vedute delle varie residenze regali. Belle le maioliche belghe usate come piastrelle per il "gabinetto di toilette".

LA COLLEZIONE.

Il progetto allestitivo della collezione Terruzzi è curato da Michelangelo Lupo e comprende, tra l'altro, preziose tavole a fondo oro del Tre/Quattrocento di importanti autori toscani quali: Giovanni del Biondo, Bicci di Lorenzo e Bartolomeo Vivarini, tutte collocate nella Cappella e nella sala antistante. Tra i capolavori dell'arte della scuola ligure del Seicento sono di grande impatto emotivo le tre tele di Gioacchino Assereto, la Santa Caterina di Bernardo Strozzi e quasi una vera a propria monografia delle opere di  Alessandro Magnasco, ammirato anche dal Gran principe Ferdinando de' Medici. Il  bizzarro Lissandrino è presente con uno dei suoi rari dipinti a figure grandi.

La pittura napoletana è rappresentata da Luca Giordano con tre tele, delle quali due sono di dimensioni molto importanti e poi: Paolo de Matteis, Giuseppe Recco e Fracesco de Mura.

Mentre la scuola emiliana è degnamente rappresentata da Giuseppe Maria Crespi con due opere degne di attenzione: Il Ritrovamento di Mosé e L'Adorazione dei Magi.

Al primo piano un notevole Cristo alla colonna, di ispirazione caravaggesca che dialoga con L' Adorazione dei pastori e San Gerolamo leggente di Jusepe de Ribera detto lo Spagnoletto.

Da segnalare anche la Ghirlanda di frutti con allegoria dell'estate di Baccio del Bianco e Felice Fichelli ('600) e due opere del Maestro della Fruttiera Lombarda, misterioso artista che ha attirato l'attenzione di Federico Zeri e Mina Gregori, indiscussi studiosi di nature morte.

E poi: Giovanni Stanchi, Giovanni Baglione, Baciccio, Agostino Carraci, Giuseppe Zonchi, Pietro Paolini...e tra i francesi: Jean-Baptiste Lallemand, Piat-Joseph Sauvage e molti altri. 

Al secondo piano sono in mostra. il servizio di piatti di Sèvres, databile 1760 e i 381 pezzi del Servizio Minghetti della famosa manifattura bolognese,  insieme a opere del miglior paesaggismo italiano del Settecento di Paolo Anesi e Giuseppe Zocchi. L'arredamento consiste in alcuni splendidi pezzi settecenteschi di artigianato francese e ferrarese. Benedetto Gennari è presente con un'Allegoria della pittura e del disegno, mentre Pietro Paolini è l'autore di Giocatori di Carte. Di grandi dimensioni sono le Scene pastorali di Francesco Londonio insieme ad altri lavori del medesimo autore, acqueforti comprese. Jean-Baptiste Oudry, figura importante del naturalismo francese del Sei/Settecento, qui è presente con quattro pannelli raffiguranti volatili. Altri autori sono Andrea Locatelli e Hendrik Frans Van Lint, fiammingo naturalizzato romano.

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Nel bellissimo parco, ricco di alberi precedenti la costruzione della villa, verranno a breve introdotte le rose della specie Reine Marguerite d'Italie, profumatissime, rare e dedicate alla regina.

Mostra temporanea “Margherita, Regina d'arte e cultura” dal 19 giugno al 18 settembre 2011
Informazioni e prenotazioni: tel. 0184 276111 - www.fondazioneterruzzivillamargherita.it  
Orari: da mercoledì a domenica 15.30 - 23.00 nel periodo dal 1° maggio al 30 settembre; 10.00 - 17.30 nel periodo dal 1° dicembre al 30 aprile. La Villa resta chiusa nei mesi di ottobre e novembre.
Biglietti: intero 8 €, ridotto 6 € gruppi più di 15 persone, over 65, minori di 18 anni, ridotto scuola 4 € scolaresche delle scuole primarie e secondarie, gratuito 0 € bambini inferiori ai 6 anni, accompagnatori scolaresche, accompagnatori gruppi, accompagnatori disabili.

Un mezzo elettrico, su richiesta, trasporterà i visitatori con problemi di deambulazione sino all'ingresso della villa.

Sono previste visite guidate per gruppi di 15 persone.

Terminata; 54a Esposizione Internazionale d'Arte alla BIENNALE di VENEZIA 2011

Quest'anno la Biennale è stata affidata a un curatore in grado di parlare la lingua del mondo, della globalizzazione con un piede nel passato, ma anche uno nel futuro. Una donna dotata di occhio attento e selettivo, capace di trasformare questo evento non in pura provocazione, ma in un fenomeno attrattivo anche per chi non fa parte delle élites del settore.

La curatrice Bice Curiger, seria intellettuale, eclettica, simpatica ed ironica, ha felicemente deciso di partire da lontano e di aprire la sua Biennale con Tintoretto: L'ultima cena (dal Brasile), Il trafugamento del corpo di San Marco (fu rifiutato dai committenti per almeno 10 anni, soprattutto per quei lampi di luce, così poco ortodossi...) e La creazione degli Animali (conservati nelle Gallerie dell'Accademia). Non a caso la luce è lo strumento più forte di Tintoretto che l'ha usata per stravolgere l'ordine delle cose: un preciso e forte messaggio che molti artisti hanno ben saputo interpretare.

Comincia così questo grande "pellegrinaggio" tra le opere degli artisti e il lavoro dei curatori, un viaggio che dura da ben 116 anni: l'età della Biennale.

Ai Giardini sono presenti 28 Padiglioni fissi usati dai 30 Paesi considerati partecipanti permanenti. Altri paesi, tra quelli che chiedono di essere invitati, trovano spazio all'interno dell'Arsenale, altri in diversi luoghi di Venezia. In tutto, per il 2011, sono presenti 89 Paesi.

Parallela alla serie dei Padiglioni nazionali coesiste la Mostra internazionale, il cui titolo, scelto da Bice Curiger, è ILLUMInazioni; nasce così una coesistenza dai molti punti di vista.

Anche soggetti no profit possono presentare progetti per piccole mostre, da tenersi in città, normalmente per tutto il periodo della mostra.

Novità di quest'anno è l'offerta di facilitazioni per visite di 3 giorni per gruppi di almeno 50 studenti e docenti, con vitto a prezzo di favore, organizzati da Università, Accademie di Belle Arti e istituti di formazione e ricerca. Particolari luoghi sono resi disponibili gratuitamente per seminari; è inoltre compresa l'assistenza nell'organizzazione del viaggio e del soggiorno.

Durante la Mostra sono previsti diversi Meetings on Art, seminari aperti in giugno e nel periodo autunnale. Tutto ciò mostra l'apertura della Biennale verso lo spirito di ricerca e ne fa degno oggetto di "pellegrinaggio".

Il titolo scelto sta a indicare come oggi non si voglia più rincorrere ad una provocatoria arte-anti arte, ma si intenda cercare vie di colloquio tra l'artista e lo sguardo del visitatore-amante dell'arte che desidera essere illuminato, comprendere. Questa Mostra sarà anche una mostra giovane e al femminile; come dimostrano le presenze di 32 artisti nati dopo il '75 e le 32 presenze femminili su un totale globale di 83 artisti. Un sentito grazie alla curatrice per questa graditissima attenzione.

Tre sono i concorsi online della 54a, pubblicati su www.labiennalechannel.org sul tema ILLUMInazioni:  la miglior foto della Mostra per la fotografia (solo per fotografi accreditati), il miglior testo critico sulla Mostra, il miglior video sul tema della Mostra.

Ultrafragola Channels, la prima web-Tv italiana d'arte, documenta appuntamenti e vernice di tutta la 54a con interviste e reportage; tutto su www.labiennale.org www.labiennalechannel.org

ILLUMInazioni

La curatrice BICE CURIGER sul tema da lei scelto per questa BIENNALE, ha detto:

"...si incentra sulla luce, un tema classico nell'arte strettamente legato a Venezia. Al contempo, mettendo in rilievo il suffisso "nazioni", il titolo ...sottolinea il rimando alla situazione particolare della Biennale con i suoi padiglioni nazionali. Lontana dalla definizione conservatrice del concetto "nazione", l'arte ha il potenziale di sperimentare nuove forme di "comunità", di negoziare differenze e affinità in materia esemplare per il futuro.                     

...ci si rivolgerà anche ad un altro territorio di frontiera, quello tra la modernità e la storia passata...anche un grande maestro del passato: Tintoretto, il pittore della LUCE. La sua arte è, sotto molti aspetti, eterodossa e sperimentale

...una energia pittorica assolutamente anti-classica...

...oggi la Biennale è a ogni modo il luogo del mondo...dove si incontrano sia le cerchie degli artisti sedentari, sia quelle degli artisti migranti...dove occorre negoziare...quali valori meriteranno di essere difesi e da quali bisognerà prendere le distanze...

...ILLUMInazioni...manifesto nell'arte che spesso dichiara e ricerca la vicinanza con la natura pulsante della vita...importante...in quest'epoca in cui il nostro senso della realtà è messo profondamente in discussione dai mondi virtuali e simulati. Questa Biennale fa anche riferimento alla fede nell'arte e nel suo potenziale. Gli artisti lavorano senza rete di protezione, mettendo in dubbio le loro idee e cercando sempre di fare il loro meglio, e chi lavora con loro non può evitare di esserne ispirato."

-In questa Biennale, tra le tante importanti partecipazioni, emerge il padiglione cinese con il tema: PROFUMO DI CINA, dove il profumo è l'eguale di quanto è la luce per la cultura occidentale. Un Pese che si identifica con i profumi di: tè, vino, fior di loto, erbe medicinali e incenso. Il tutto sospeso tra tradizione e contemporaneo. Il visitatore è sollecitato in tutti i suoi sensi, ma soprattutto nell'olfatto (Anche Marco Polo portò dalla Cina gli "odori", ovvero le spezie, il té...) Organizzatore è CAEG, la più grande organizzazione culturale cinese, e Peng Feng ne è il curatore; per un risultato indimenticabile. Infinite ciotole di ceramica profumate a forma di Xun, una centrale sonora attivata dai visitatori e ondate di nebbia che avvolgono il tutto, comprese le nuvole situate nel giardino, creando uno spazio favoloso, magico, insieme alla fontana di aghi per trasfusioni e dipinti ad inchiostro.

E poi tante altre opere validissime come N.Hlobo, che cita la "Creazione degli animali", Monica Bonvicini ispirata dalla scalinata della "Presentazione della Vergine", J.Turrel che si riferisce a Tintoretto nella colorazione e C.Wool che somma la sua grande conoscenza di Tintoretto. Urs Fisher ha prodotto la scultura del Giambologna, "Il ratto delle Sabine", come una colossale candela che brucerà lentamente durante la Biennale. E poi i grandi Kapoor, Schnabel...Tra i molti che meriterebbero una segnalazione il  DAS INSTITUT presenta la megainstallazione in tonalità   pop. Il guppo GELITIN ha progettato una fusione di vetro come evento per coinvolgere, con la musica, il pubblico e gli amici... La Francia presenta il noto e consacrato Christian Boltanski con un lavoro indimenticabile dove su di una specie di catena di montaggio passano visi di bimbi appena nati che si compongono e scompongono a piacere, il visitatore che riesce a comporre un viso realmente vivo sarà avvertito da un suono...indimenticabile il performer cinese Frog King (nome di arte) con la sua "FROG-TOPIA"il cui simbolo è la rana. Nello spazio THETIS, di fronte alle Gaggiandre-Arsenale Nuovissimo (sperando nel traghetto veloce),sono esposte le opere degli artisti diplomatisi negli ultimi 10 anni presso le Accademie d'Arte italiane (un'iniziativa di Sgarbi per il 150° dell'Unità d'Italia). 

Padiglione italiano della BIENNALE: tra i tanti artisti presenti,  segnaliamo ANTONIO MANFREDI  che qui presenta un articolato lavoro di DENUCIA sulla CAMORRA. Manfredi è artista di fama internazionale ed a lui il Comune di Napoli ha affidato la costituzione del primo nucleo di una collezione permanente per la galleria di arte contemporanea il CAM di Casoria.  Manfredi ha raccolto un assortimento di circa un centinaio di artisti, ampliando il campionario stabile del museo sino ad acquisire 1000 prestigiose opere. Il CAM  è considerato una delle realtà più interessanti in Italia e in Europa.

"May be. They could live here. International warrant, 2011_work in regress" di Antonio Manfredi, è l'opera richiesta da Sgarbi per la sua Biennale; questo lavoro esorta il pubblico a camminare  tra i fotomontaggi di visi di latitanti mafiosi; ai piedi dei quali si legge nome cognome e "carriera" (lavoro definito “in regress” perché destinato a perdere un suo elemento ogniqualvolta uno dei criminali viene arrestato). www.casoriacontemporaryartmuseum.com

PIRANESI OPERA GRAFICA MOSTRA CHIUSA  m.a.x. di Chiasso, Svizzera. www.maxmuseo.ch Le antichità romane costituiscono l'opera di maggior rilevanza archeologico-scientifica di Piranesi e ci parlano di come erano le rovine della Roma del '700. La sua padronanza della tecnica dell'acquaforte poi, aiuta a trasmettere meglio ogni particolare. Nella mostra anche alcune lastre originali. Una occasione unica per i grafici, gli appassionati del genere e per chi desideri fare un passo indietro verso l'Italia  del '700.

MONNA LISA continua a suscitare l'interesse degli studiosi. Le analisi digitali hanno evidenziato due lettere nei suoi occhi: nel ds. una L (Luisa Gherardini e Leonardo), nel sin. una S (Salai, a 16 anni giovane allievo di Leonardo "di una passionalità sprigionante"). L'interesse è dovuto al carattere androgino della figura della Monna Lisa e alla fusione delle bellezze dei due sessi. Sotto un'arcata del ponte, nel quadro, è apparso il numero 72 (7: la creazione, 2 il dualismo, 7 e 2 l'Apocalisse). Il medesimo ponte sarebbe simbolo di unione tra donna e uomo. Il mistero come capolavoro di armonia.

Mostra chiusa LA MOSTRA “CHARDIN. IL PITTORE DEL SILENZIO”, A FERRARA PALAZZO DIAMANTI, DA, FINALMENTE, IL GIUSTO RILIEVO A QUESTO AUTORE POCO CONOSCIUTO IN ITALIA. UN GENIO, CON UN INIZIO DI CARRIERA FATTO DI NON COMPRENSIONI.
 

All'esposizione al Saloon di Parigi del 1761 i lavori di Chardin non furono notati
nemmeno da Diderot, che poi ne diverrà grande estimatore. Come accade
spesso, anche il genio di Chardin non viene subito riconosciuto perché non
rientra nel cliché dell'epoca. Non proviene da una nota accademia, ma impara
a bottega, e questa dura e povera vita la si legge bene nella schiena ricurva,
nell'ambiente disadorno e nel buco nel pastrano dellʼapprendista nel quadro
“Un giovane scolaro che disegna”. Non si assoggetta al rituale del viaggio in
Italia. Le sue opere non riproducono né i temi, né le dimensioni considerate di
maggior valore allʼepoca: pitture prodotte dalla fantasia come le rievocazioni
storico-mitologico-allegoriche su grandi tele. Anzi, si concentra sul tema
considerato il più facile, di meno valore, quale la natura morta; anche se oggi
riconosciamo appieno l'importanza del suo lavoro nella definitiva nobilitazione
della natura morta, vedi Morandi.
Anche l'Italia riconosce in ritardo il suo valore, ma si riscatta completamente
con questa bellissima e completa mostra al Palazzo Diamanti di Ferrara: un
raro gioiello, imperdibile; poesia allo stato puro, comprensibile anche ai non
addetti ai lavori; perché Chardin punta dritto al cuore, dobbiamo solo trovare la
calma e il tempo per ascoltarlo.
Infatti della sua pittura disse: “Ci si serve dei colori, ma si dipinge con il
sentimento” (Cochin 1780, p.434).
A proposito dell'opera “Il paniere di fragole di bosco”, i fratelli Goncourt, ai quali
si attribuisce la riscoperta di Chardin nell'800, dissero: “E poi guardate questi
garofani...arretrate un poco: i fiori si sollevano dalla tela a mano a mano che vi
allontanate...E'questo il miracolo delle opere do Chardin”.
Il grande Diderot che poi divenne grande estimatore dellʼartista, a proposito del
quadro “Uva e melograni” affermò: “Costui coglie lʼarmonia dei colori e dei
riflessi. Oh Chardin! Quello che mescoli nella tua tavolozza non è del bianco,
del rosso o del nero, ma la sostanza stessa degli oggetti...spessi strati di colori
gli uni sugli altri, il cui effetto trapela dallʼinterno verso lʼesterno”.
Ma, forse, il più facile approccio per comprendere Chardin sono queste parole,
sempre di Diderot: “Davanti a Chardin ci si ferma, come dʼistinto, alla maniera
del viaggiatore che, stanco del suo andare, si siede, quasi senza accorgersene,
non appena trova un letto dʼerba, silenzio, acqua, ombra, frescura”.
Durante la presentazione della mostra, Carlos Fernandez de Henestrosa, dir.
amministrativo del Museo del Prado, ha giustamente esaltato di Chardin la
grande densità scientifica e posto lʼaccento sul fatto che, pur trattandosi di un
autore di primissimo piano in tutto il mondo, sia in Italia che in Spagna è
sempre stato relegato ad autore per soli addetti ai lavori, e ricordato che questa
mostra sarà presentata al Museo del Prado dal prossimo marzo 2011. Anche
per la Spagna sarà la prima volta che questo grande autore viene presentato al
pubblico in tutta la complessità della sua opera.
La mostra presenta ben cinquantadue capolavori di Chardin, di cui dieci
provengono dal Louvre. Chardin è, giustamente, parte della prima grande
generazione di pittori francesi che per la prima volta nella storia possono
insediare il primato della pittura italiana. Ma lui nasce nel 1699, mentre la
brillante generazione di pittori francesi, da Charles-Joseph Natoire (1700) a
Carle van Loo (1705) segue studi e carriera “tradizionali”, e i suoi risultati
vengono definiti “mediocri” da Haillet de Couronne, un suo biografo. Chardin è
figlio di un costruttore di biliardi; impara lʼarte in bottega e allo studio dei grandi
maestri preferisce lʼosservazione diretta della realtà: una scelta difficile per
l'epoca. Ma le sue capacità alla fine vengono riconosciute; il suo
approfondimento della natura morta o “pittura di caccia” e il grande studio della
luce sulle superfici colpisce i critici dell'epoca. Nel 1728 viene ammesso
all'Accademia Reale di Parigi per le sue virtù di straordinario realismo e per il
modo di trattare la luce e i colori; tanto che le sue opere vengono scambiate
dalla commissione dellʼAccademia come lavori fiamminghi del secolo
precedente.
Nella mostra i due quadri dedicati al “Coniglio morto con pernice rossa...” e
“Lepre morta con sacca...” segnano lʼinizio di molti suoi lavori su questo tema; si
dice che rimase affascinato dall'animale senza vita portatogli da amici
cacciatori. In questi quadri, del Louvre, la luce svolge un ruolo fondamentale e
lo sfondo indistinto ne esalta la cruda teatralità.
E'sempre la luce il tema che contraddistingue anche la “natura morta con
brocca di maiolica, tre ciliegie, un bicchiere dʼacqua mezzo pieno...” con toni
luminosi e dorati, quasi scintillanti per il bicchiere dʼacqua; così ne dice Pierre
Rosemberg, l'attento curatore della mostra, nel catalogo: “un sapore gioioso e
primaverile alquanto inconsueto in Chardin”.
Dal 1733 Chardin allarga la sua conoscenza anche alle figure, una svolta nella
sua carriera che determina la creazione di raffinati capolavori. Al Salon del
Louvre tra il 1737 e il 1777 lʼartista presenta una quarantina di composizioni
con figure, mettendo in mostra via via nuove varianti dei soggetti più apprezzati,
senza mai tralasciare la ricerca di nuove soluzioni luministiche e cromatiche.
Chardin rifugge dal particolare pittoresco e raffigura sia rampolli della
borghesia che i domestici solo in momenti della vita di tutti i giorni; lʼesatto
contrario di quanto farà il grande Fragonard qualche decennio più tardi.
“Bolle di sapone” è il capolavoro portato a simbolo della mostra; una scelta
felice che ben simboleggia le sensibilità di Chardin.
Non ultimo, anzi forse primo per importanza “mazzo di garofani, tuberose e
piselli odorosi” (1755), esposto normalmente alla National Gallery di
Edimburgo. A questo proposito Charles Sterling, uno dei più grandi storici
dellʼarte, scrisse: “Chardin è con Poussin e Claude Lorrain lʼartista francese
anteriore al XX secolo che ha avuto maggiore influenza sulla pittura moderna.
Certe ricerche di Manet e di Cézanne sono inconcepibili senza Chardin.
Sarebbe difficile immaginare qualcosa di più “avanzato” nella composizione e
nel trattamento pittorico del Vaso di fiori di Edimburgo. Esso sorpassa tutto ciò
che dipingeranno in questo genere Delacroix, Millet Coubert, Degas e gli
impressionisti. Solo Cézanne e nel suo seguito si può pensare di trovare tanta
forza in tanta semplicità”.
Dopo i difficili inizi, finalmente questo grande artista incontrerà la giusta fama e
lʼapprezzamento di Diderot e del re di Francia Luigi XV che gli permetterà di
vivere e lavorare al Louvre.
Di lui Van Gogh dirà: ”grande come Rembrandt”.
Un valido suggerimento potrebbe essere far seguire a questa mostra la visita
alla mostra di Morandi presso la Fondazione Ferrero di Alba sino al 16 gennaio
2011. Molte e interessanti le analogie.
Questo importante evento è magistralmente spiegato nel catalogo edito da
Ferrara Arte, sponsorizzato da ENEL ed è accompagnato da numerose
manifestazioni collaterali quali: conferenze di grande pregio, concerti di musica
del '700 e una rassegna cinematografica che scandaglia il '700 francese.
“Chardin. Il pittore del silenzio” informazioni.
Termine della mostra 30 gennaio 2011. Aperto tutti i giorni.
Palazzo dei Diamanti, C.so Ercole I D'Este 21, Ferrara.
tel.0532.244 949; mail: HYPERLINK "mailto:diamanti@comune.fe.it"
diamanti@comune.fe.it ; HYPERLINK "http://www.palazzodiamanti.it"
www.palazzodiamanti.it
Biglietti: da 11 (intero) a 4 euro (studenti).
Ca ta l o g o : Fe r r a r a Ed i to r e te l . 0 5 3 2 .2 4 4 9 8 9 HYPERL INK
"mailto:ferraraarteeditore@comune.fe.it" ferraraarteeditore@comune.fe.it

MOSTRA CHIUSA “MORANDI. L’ESSENZA DEL PAESAGGIO”. UN ARTISTA ATTUALISSIMO, SOPRATTUTTO QUANDO DICE: “MI MANCA LA TRANQUILLITA’ “.Mostra chiusa

Una prestigiosa e autorevole sede: la Fondazione Ferrero a Cuneo; una curatrice di rara modestia e grandi capacità come Maria Cristina Bandera per la più completa mostra italiana dedicata, finalmente, al grande Morandi. Una mostra che, come tutto il meglio, è leggibile da chiunque: universalmente comprensibile.

Ben oltre 70 opere  e una accurata scelta di acquarelli per rendere il giusto omaggio ad un autore a suo tempo sottovalutato.

Il tema scelto è quello del paesaggio, quello che lo stesso autore Morandi preferiva chiamare: -La pittura dei “paesi”- inoltre, paragonandola alle nature morte che furono tanto presenti nel suo lavoro, sosteneva: -e dire che i paesaggi li amavo di più-.

Quindi un Morandi meno stereotipo, che rivela il suo intimo, più che nelle nature morte: la sua vita attraverso i vari paesaggi o “paesi”, come lui preferiva chiamarli, dove aveva scelto di vivere.

“Morandi cambia a decenni” ha detto la curatrice e ben lo si vede visitando la mostra.

La prima sala ci avvicina alla prima opera datata dell’autore: un quadro prestato dalla Pinacoteca di Brera. Nella medesima sala oli rarissimi degli anni ‘10, mai riuniti in numero tanto elevato. Se ne deduce l’ammirazione e il grande studio che dedicò alla pittura francese: Cézanne in primis, che sfocerà nella successiva sintesi, degli anni ’20, derivata dalla conoscenza di Pietro della Francesca. Visitando la seconda sala si possono ascoltare le sue parole: -Per noi la villa…ci faceva pensare alla Torre Eifell  a Renoire a Degas. Successivamente si incontreranno le opere degli anni ’30 che segnano la sua maturità e autonomia.

Il colore, più scuro, definisce molti dei lavori degli anni della guerra, quando si ritirò a Grizzana per sfuggire ai bombardamenti, in questi anni infatti disse: “Mi manca la tranquillità…ogni giorno gli aerei passano di qui e si mitragliano tra loro”.

Nel ’44 rientra a Bologna dove rimane per 10 anni, in questo periodo abbandona il tema del paesaggio a favore delle più famose nature morte delle quali ricorda: “gli stessi titoli…sono convenzionali”. In questo tempo si limita al lavoro in casa e in giardino, del quale dice:”nel tardo autunno e in inverno la vista si spinge…sino a…”. Anche se lavorava alle nature morte aveva bisogno del “paese” che lo circondava.

Le opere, presentate su pareti e con luci che non distraggono dai quadri, a volte sono avvicinate per far cogliere meglio gli effetti finali tra paesaggi simili, ma con sfumature di colore differenti.

Tornando agli spostamenti di Morandi, dopo il ’59 torna a Grizzana dove le sorelle fanno costruire una nuova casa. Qui abbandona le volumetrie chiuse e sostiene: “Di nuovo al mondo non c’è nulla, l’importante è la posizione dell’artista”. Riprende le caratteristiche del paesaggio di Giotto, ma lo riduce alle sue linee. “Sappiamo che tutto quello che riusciamo a vedere…in realtà non esiste…ritengo non vi sia nulla di più surreale e astratto della realtà- e. sempre Morandi: - “Quello che conta è toccare il fondo…l’essenza del fondo…Sapremo cogliere la lacerazione, l’essenza?”. E mostra questo pensiero nella sua essenzialità di linee e colori.

Maria Cristina Bandiera nel presentare questa mostra ha giustamente evidenziato come il tema scelto del paesaggio permetta di avvicinare un pubblico più vasto, rispetto ad una mostra di sole nature morte; e questo pensiero ben si allinea con gli intenti della Fondazione Ferrero. Inoltre pone l’accento sulla difficoltà incontrata, nella riproduzione dei sofisticati colori dell’artista per le foto del catalogo e gli ottimi risultati ottenuti. M.C. Bandiera ricorda anche come la prima curatrice di una mostra di Morandi, Barbara Cinelli, abbia cercato, lodevolmente, di “svecchiare” l’opera di Morandi dall’idea di cultura di strapaese; e noi diciamo che in questa mostra ben si completa questa opera. E ci permettiamo di suggerire una visita anche alla mostra di Ferrara, presso Palazzo Diamanti, intitolata al grande “Chardin. Il pittore del silenzio”. Un autore di chiara fama internazionale. Sarà sorprendente, per i non addetti ai lavori, incontrare punti di contatto con Morandi. La mostra sarà aperta sino all’30 gennaio 2011.

Mostra  “Morandi. L’essenza del Paesaggio”, informazioni.

Ingresso gratuito. Chiuso il lunedì.

Sino al 16 gennaio 2011, presso la Fondazione Ferrero, strada di Mezzo 44, Alba (Cuneo)

Tel. 017335833. info@langheroero.it; per gruppi e prenotazioni: tel. 0173.36 34 80

Catalogo 24 Ore cultura

MEDITERRANEO. MOSTRA CHIUSA Da Courbert a Monet a Matisse. Sino al 1° maggio2011. Genova-Palazzo Ducale.

Genova, puntando sulla qualità delle sue mostre, è riuscita a trasformare gli eventi di Palazzo Ducale in un centro di attrazione culturale di massa. Il successo continua con l’attuale esposizione dedicata al Mediterraneo che offre, attraverso 80 sceltissimi dipinti, una storica panoramica di cinque generazioni di insigni artisti; alcuni famosissimi, altri meno, ma non meno importanti per approfondire al meglio la storia dell’arte, e comprendere come interpretarono la luce, il colore e l’entroterra di questo mare.

Marco Goldin, l’appassionato curatore, è riuscito ad ottenere prestiti di opere anche da riottosi collezionisti privati e non, permettendoci di vedere quadri importanti altrimenti poco noti o sconosciuti.

Sulla scia di questa interessante mostra, non mancheremo di essere presenti alla prossima già annunciata dal 2 novembre 2011 al 15 aprile 2012: “Van Gogh e il viaggio. Pittura degli spazi percorsi da Turner a Gauguin a Rothko”, definita da Goldin: “la mia mostra più impegnativa”. Prevediamo pure interessantissima anche la prossima esposizione: “L’Africa delle meraviglie. Arti africane nelle collezioni italiane”, che sarà visitabile dal 31 dicembre 2010 al 5 giugno 2011.

Tornando al “Mediterraneo” si tratta di un felice escursus dal quadro più “vecchio” del 1756 a opere dei primi del ‘900. Ovvero dall’età dei lumi, i primi timidi tentativi di quadri dipinti”en plein air” quando gli artisti francesi, che non potevano raggiungere Roma, sostituirono il “Grand Tour” con una “discesa” da Parigi verso Avignone per poi raggiungere il Mediterraneo senza dover varcare le Alpi. La mostra si conclude con un trittico impegnativo e caratterizzante: un Van Gogh che dipinge “immerso” in un campo di grano da dove vede sull’orizzonte la violacea-azzurra città di Arles, con sfumature rossastre: come si usa oggi nella grafica più avanzata; un Monet che illustra una Antibes percorsa dal vento mediterraneo Minstral e un Cezanne dove il paesaggio è visto non più dal suo “dentro”, ma riproduce il sentimento suscitato con un risultato che volge all’astratto, al futuro.

Nel frammezzo tanta storia dell’arte: un Granet che racconta la sua fattoria e non dipinge la montagna, ma la appoggia già essenzializzata (1830!), come un fazzoletto di colore. Cezanne, ci ricorda Marco Goldin, guarderà Granet e vi prenderà spunto per una sua personale interpretazione del colore.

Nella prima sala troviamo gli albori dell’impressionismo, nella seconda il pittore “animalista” Emile Loubon introduce un cielo azzurro forte, quasi profondo, scioccante e lo appoggia sul mare; ma emerge anche la contaminazione del paesaggio del ‘700 con le prime ciminiere in: “Veduta di Marsiglia da Les Aygalades in un giorno di mercato”.

Non manca, nella terza sala, un Münch (1891/92; “L’Urlo” è del ‘93) che scende a Nizza per curare una depressione e cambia, come tutti quando vengono a contato con il Mediterraneo, i suoi colori.

Renoire quando raggiunge il Mediterraneo esce con Cezanne, che aveva visitato l’Italia e “rincorso” Raffaello, in un mattino di febbraio insieme dipingono il medesimo paesaggio, ma con angolature, colori e interpretazioni molto differenti: uno scuro e uno luminoso, l’uno l’essenza, l’altro vuole vedere fiorire il colore. Due quadri che, nella mostra,  sono felicemente affiancati.

Van Gogh raggiunge il Mediterraneo un mese dopo Monet, lavorano uno ad Arles, l’altro a Var; Van Gogh incontra subito una grande nevicata e brutto tempo, ma da marzo scrive al fratello: “Il sud è il mare, ma io voglio che dal mio azzurro nascano il giallo e l’arancione..” (1888, nell’89 sarà ricoverato).

Organizzazione di Linea D’Ombra: www.lineadombra.it info@lineadombra.it tel 0422.3095 La realizzazione della mostra è anche dovuta al finanziamento di COSTA CROCIERE.

"Lo potevo fare anch'io" di F.Bonami, ed Mondadori, un saggio che può aiutarci a capire l'arte moderna anche attraverso una dura critica verso i gli stessi "critici"; un punto di vista "criticabile" che considera mediocri, politicizzati e culturalmente conformisti Botero, Pomodoro, Guttuso...ma tanto si sa chiunque può criticare chiunque anche per spingere gli autori preferiti; da leggere per riflettere sull'arte moderna come puro mercato dove tutto è possibile.

uff. stampa: Giulia Airoldi, Patrizia Pastorelli, comunicazione@museomaga.it   tel 0331.70 60 11

MAGA Museo Arte di Gallarate-Milano

Mostra CHIUSA il  13.2.2011: Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando. OPERE D’ARTE CONTEMPORANEA DELLA COLLEZIONE CONSOLANDI

Il nuovissimo Museo di Arte Gallarate, voluto da Silvio Zanella già quando era giovane artista contemporaneo di Consolandi, oggi offre al pubblico oltre 200 opere rappresentanti le principali tendenze dell’arte contemporanea, nazionale e internazionale, dagli anni ’50 ad oggi. Queste opere provengono tutte dalla collezione dello scomparso Paolo Consolandi, notaio milanese e antesignano collezionista di arte moderna.

Questa mostra è una occasione unica per vedere riuniti molti dei grandi nomi che hanno fatto la storia dell’arte moderna: Giulio Paolini, Alighiero Boetti…Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan, sino a Warhol, Marina Abramovic, Cristo, Fontana, Hirst.

Un prezioso momento di confronto e di presa di coscienza verso un’arte che, ai più, appare ancora ostica, difficile da comprendere. Se tutti ormai ci “inchiniamo” davanti ad un Picasso, non sempre perché lo comprendiamo veramente, ma spesso perché rappresenta un nome storicamente riconosciuto, non altrettanto facilmente e umilmente ci si pone davanti alle opere più innovative, e meno storicizzate.

Paolo Consolandi, con le sue assidue, e impegnative, frequentazioni di mostre, gallerie e fiere d’arte, era riuscito a penetrare nel nuovo, lo aveva assimilato al punto da saper scegliere chi sarebbe diventato grande. Come ha scritto Angela Vettese (Sole 24 ore, 2010) “[Consolandi]…ha fatto le valige almeno dieci volte l’anno; per visitare una fiera a Miami, una mostra a Istambul o una galleria a Parigi. Ha capito…che non si nasce imparati in fatto d’arte…che il senso pieno dell’oggi lo si impara vivendo, viaggiando…”.

Durante la visita ognuno di noi può sforzarsi di recepire almeno le opere che gli sono più comprensibili, lasciandosi trascinare dal proprio intuito, dalla propria emozionalità e dalla propria esperienza. .

“Collezionare arte contemporanea -aveva detto Consolandi- significa non avere nostalgia del passato”: è questa la chiave di lettura che ci può aiutare alla comprensione delle opere in mostra.

Il titolo della mostra: “Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando?” si riferisce all’opera, di Fischli&Weiss, e vuole essere una frase emblematica della personalità e della vita del collezionista Paolo Consolandi.

 Mostra a cura di Francesca Pasini e Angela Vettese; il catalogo, utilissimo per la comprensione delle opere in mostra, è edito da ELECTA. Orari: mart-domenica 9,30-19,30

Via de Magri1, Gallarate, Varese; tel 0331.70 60 11 www.museomaga.it

PETER DOIG IL PIU’ QUOTATO ARTISTA VIVENTE.

Peter Doig è un artista scozzese, nato a Edimburgo nel 1959, i cui bellissimi lavori non sono conosciuti dalle masse, ma  hanno un'altissima quotazione. Infatti è il più quotato pittore vivente, tanto che il suo lavoro “White canoe” è stato venduto per 8,53 milioni di euro da Sotheby's a Londra. La canoa in mezzo ad un lago, di cui esistono numerose versioni, è la rielaborazione di una scena del film “Friday the 13th”.

Ha frequentato scuole d'arte a Londra: Wimbledon School of Art, Celsea e St. Martin's.                                                                                                                                              

Grande amante della fotografia e del cinema, ha come temi preferiti i paesaggi che porta sulla tela creando atmosfere magico-fiabesche, grazie ad un inusuale uso del colore.

E’ anche chiamato pittore romantico per le speciali atmosfere che riesce a creare. Dopo anni trascorsi a Londra e in Canada, oggi vive a Port of Spain la capitale di Trinidad e Tobago, un luogo incantevole, con una natura ancora incontaminata e non danneggiato dallo sviluppo turistico.

In “Milky Way” rende benissimo l'idea dell'isola, dell'acqua e del cielo sovrastante; affascina subito la semplicità dell'esecuzione, la chiarezza dell'immagine e la facilità di comprensione del soggetto, che pure non è affatto banale o comune. Anzi denota una sensibilità  e raffinatezza superiori verso il colore, ma anche un vigore inusuale dell'immagine, nonostante l'estrema leggerezza poetica dell'insieme.

Per Doig la natura rappresenta il polo ispiratore, le sue fronde, la sua acqua realizzate in tele grandi, come dal vivo, trasmettono subito forti sentimenti, pur nella delicatezza dei  colori e dell'insieme.

Pare che il dio Pan abbia ispirato questo artista che ci immerge nella natura.

I grumi di colore vengono trasformati dalla sua arte in fiocchi di neve o gocce di pioggia. I critici lo avvicinano a matrici nabis e fauve.

Anche Doig realizza della Postproduction: utilizzando sue foto, scene di film, vecchie cartoline, pubblicità e copertine di dischi.

La sua produzione si limita a 10 quadri l'anno; Doig, giustamente, afferma che la qualità richiede tempo.

Nella sua carriera ha vinto prestigiosi premi: John Moores exibition, nominato al Turner Prize e selezionato per l'East international, dal 1995 al 2000 fu un “trustee” (curatore) della Tate Galery. E' anche professore nell'Accademia d'Arte di Düsseldorf.

I suoi soggetti preferiti, come già detto, sono i paesaggi che si ispirano alla storia dell'arte compresi E.Munch, C.Monet sino a Friedrich e Klimt.

E' anche molto conosciuto per il suo lavoro sulle case moderniste di Le Courbusier chiamato “L'Unite d'Habitation”, localizzato nella foresta francese a Briety-en-Foret.

I suoi soggetti preferiti sono: laghi e canoe, boschi e sciatori.

Nel 2003 cominciò un progetto per un club del cinema insieme all'artista Che Lovelace; Doig non selezionò solo i film, ma disegnò anche le locandine.

Nel 2007 fu uno degli artisti selezionati per la prima parte di “The Triumh of Painting” alla galleria  Saatchi di Londra.

Nel 2008 le sue retrospettive approdarono al tate Britain, al Museo Parigino di arte Moderna e al Kunstakademie di Düsseldorf.

FUTURISMO mostra a Milano Palazzo Reale del 2009

Il Futurismo non fu solo pittura e scultura, ma un vero e proprio tentativo rivoluzionario nei confronti del sentire comune dell’epoca.

Le sue origini si possono ritrovare già nell’ultimo decennio dell’Ottocento e la sua influenza si inoltrerà sino alla seconda metà del Novecento con Fontana, Burri, Dorazio, Schifano e molti altri. Illuminanti, per riassumere in breve i concetti del futurismo, possono essere le parole di Antonio Gramsci: “…esisterà una cultura (una civiltà) proletaria, totalmente diversa da quella borghese, anche in questo campo verranno spezzate le distinzioni di classe…il carrierismo borghese:    esisterà [esisteranno] una poesia, un romanzo, un teatro, un costume, una lingua, una pittura, una musica, caratteristici della civiltà proletaria…non credere che il mondo caschi se un operaio fa errori di grammatica, se una poesia zoppica, se un quadro assomiglia a un cartellone, se la gioventù fa tanto di naso alla senilità accademica e rimbambita…”. Alla luce dell’oggi lasciamo ad ognuno le proprie considerazioni nella speranza che si sappia distinguere tra la modestia creativa di molti e la geniale creatività di chi fece del Futurismo un detonatore del nuovo corso dell’arte italiana.